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quarta-feira, 16 de setembro de 2015

Playlist: Narcos

Uma playlist baseada em Narcos, contendo a música tema da série, faixas inspiradas em Pablo Escobar e também canções que tem a cocaína como tema.

Só dar play e vir junto!

Opinião

Opinião: o jazz como ferramenta para a evolução do ouvinte

Ricardo Seelig 11:21

Sempre escutei rock. Desde que comecei a consumir música de maneira contínua e diária, o rock sempre foi o protagonista. A trilha da minha adolescência foi formada por doses cavalares de Black Sabbath, Iron Maiden, Metallica, Led Zeppelin, Beatles e outros ícones. E seguiu nessa toada ano após ano. Apesar de sempre ter mantido o ouvido curioso - adoro pop, por exemplo -, ele ficou limitado ao universo do rock e do metal.

Mas o jazz sempre andava por ali. De tempos em tempos, tentava dar uma experimentada, uma degustada no gênero, mas a sensação era sempre indigesta. A impressão constante era a de que cada um dos músicos estava tocando uma canção diferente do outro. Que os instrumentos não combinavam. Que a coisa não batia e não funcionava.

Anos e anos tive essa sensação em relação ao jazz. Até que 2008 chegou. Estava com 34 anos e meu filho acabara de nascer. O Matias trouxe uma alegria indescritível. E, junto com ela, uma maturidade necessária e muito bem-vinda. E que, até que enfim, foi capaz de me fazer entender o jazz, traduzi-lo para os meus ouvidos.

Dois discos foram os responsáveis por essa transformação, ambos, curiosamente, lançados no mesmo ano: 1959. Falo de Time Out, do Dave Brubeck Quartet, e de Kind of Blue, de Miles Davis. Através destes dois títulos, o jazz se tornou entendível para mim. E isso se deu pela acessibilidade da dupla, já que estamos falando de dois álbuns que, mesmo possuindo as refinadas estruturas harmônicas características do jazz, fazem a tradução destes elementos de forma fácil ao ouvinte leigo.

Time Out é um álbum matemático. Suas composições evoluem em arranjos marcados que caminham de compasso em compasso, em melodias crescentes. O grande clássico do disco é a imortal “Take Five”, uma das canções mais conhecidas do estilo, e uma porta de entrada perfeita para quem nunca experimentou o gênero.

Já Kind of Blue marca o nascimento do jazz modal, estilo onde as melodias se desenrolam em camadas suaves e intercaladas, que servem de base para os vôos solos dos instrumentistas. No caso deste título específico, o genial Miles Davis estava ao lado de outro músico singular, o saxofonista John Coltrane, e ambos entregam performances divinas no disco.

Um parágrafo destinado apenas para um adendo focado no fã de rock: ao contrário do que ouvimos nos discos do estilo que tanto amamos, onde, na grande maioria dos casos, cada instrumento é gravado de forma separada, com a mixagem unindo tudo, no jazz a coisa é feita de outra forma. Com todos os músicos reunidos no estúdio, a canção é executada uma, duas, quantas vezes se achar necessário até alcançar a perfeição, com todos tocando juntos. Tudo fica mais espontâneo e verdadeiro, ao meu ver.

Partindo de Time Out e Kind of Blue, mergulhei em diversos outros artistas e discos. Thelonious Monk virou meu parceiro, Stanley Clarke me mostrou que o baixo poderia alcançar outro nível, Herbie Hancock remexeu profundamente o meu esqueleto. Tudo isso em um processo que colocou o jazz entre os meus gêneros favoritos de música.

O que isso tem a ver com o rock? O que isso tem a ver com você que está lendo este texto e é um fã do bom e velho rock and roll, das guitarras pesadas do heavy metal e da força da música pop? Pegando como base a experiência que vivi - e continuo experimentando - com o jazz, o que posso afirmar é que o gênero quebrou barreiras e alargou as minhas percepções pessoais sobre a música. Ao caminhar por estruturas livres e sempre buscar a experimentação e a inovação, seja através de andamentos inusitados ou arranjos que almejam novas formas de decodificar a música, o jazz me levou para muito além do 4x4 tradicional do rock. Esse passo além me ajudou não apenas na atração por artistas que procuram fugir do convencional, como também foi essencial para um entendimento mais profundo e completo da obra de bandas que já eram importantes..

Meu entendimento sobre o Clash, por exemplo, mudou completamente após a inserção do jazz na minha vida. Se antes eu já adorava a banda, após fiquei ainda mais impressionado pela intensa musicalidade dos britânicos. O mesmo vale para os Beatles, que caminharam de composições simples para faixas onde o experimentalismo era onipresente, e sempre mantendo a capacidade saudável de fazer tudo soar acessível.

Sou da opinião de que, quanto mais você faz uma coisa, melhor você fica naquilo. É o caso da música. Quanto mais você ouve, mais você aprende. Quanto mais você é exposto e se deixa experimentar gêneros que fogem do seu cardápio habitual, mais elementos agrega ao seu vocabulário. E, nesse sentido, o jazz possui um valor incrível como catalisador de novas possibilidades.

Ouça jazz. Ouça rock. Ouça o que você quiser. Mas sempre com o ouvido curioso e destemido. Deixe a música revelar toda o seu esplendor. É demais sentir essa sensação, eu garanto.

sexta-feira, 11 de setembro de 2015

Slayer

10 opiniões sobre Repentless, o novo álbum do Slayer

Ricardo Seelig 16:35

Furioso, violento, visceral, rápido, infernal, cru, sufocante, agressivo, incendiário. Todos estes são adjetivos que caberiam como uma luva para definir Repentless, primeiro disco da potência metálica conhecida como Slayer em seis anos. Repentless é curto, direto ao ponto, preciso, sem rodeios. Pode não ser um clássico? Que não seja. Mas é um Slayer absolutamente verdadeiro e fiel à sua essência, para alegria daqueles que não os abandonaram desde Christ Illusion (2006).
Judão

O Slayer se mantém fiel às suas características e sabe que terá jogo ganho junto aos fãs. Há prós e contras nesta ideia, como em qualquer caso semelhante. Porém, não dá para negar a qualidade de Repentless.
Van do Halen

Se com Jeff Hanneman a gente já esperava um típico Slayer em ação, sem ele ficou improvável que a banda traria alguma diferença estilística mais marcante. O trabalho poderia ser melhorado em vários aspectos, sobretudo na produção, que parece um pouco crua demais, como se a mixagem final tivesse sido apressada e um pouco descuidada. Com tudo, o resultado final mais cru e mais seco ressalta o peso e o jeitão old school da banda.
Escuta Essa

O Slayer conseguiu produzir um bom álbum mesmo sem a presença de dois de seus integrantes mais importantes - Jeff Hanneman e Dave Lombardo. Mesmo assim, Repentless não dá a resposta definitiva se a banda tem ou não fôlego para seguir em frente.
Pitchfork

Após um hiato de seis anos e mudanças importantes da formação, surgiram dúvidas sobre a relevância atual do Slayer. Todas são devidamente dissipadas com Repentless.
Loudwire

A lenda do thrash metal segue estupidamente excitante!
The Guardian

Com Repentless, o Slayer provou que segue relevante mesmo sem a presença de Hanneman. Quatro décadas após a sua formação, a banda ainda se mantém como uma das maiores referências do thrash.
Wall of Sound

Repentless levanta sérias questões sobre a legitimidade do Slayer. O disco serve como um lembrete de a banda, agora, é um mero negócio, e que suas turnês e merchandising dependem de material fresco para gerar demanda. O resultado deste contexto é um disco esquecível, com canções e letras estúpidas. O Slayer vai continuar a ser uma boa banda ao vivo, mas se o quarteto deseja que o público se importe com suas novas canções, vai precisar fazer muito melhor do que isso.
Angry Metal Guy

Repentless pode não oferecer muitas novidades ao som do Slayer, mas irá agradar aos fãs de uma das mais influentes e importantes bandas da história do metal.
Sputnik Music

Repentless não é o disco perfeito do Slayer, mas comprova que a banda é a versão satânica do AC/DC e do Motörhead, não precisando apresentar grandes variações para agradar todo mundo.
StereoBoard

Quadrinhos

Jack White lança disco para crianças, rockstars chegando perto da aposentadoria e a falta de critério do Manchester United

Ricardo Seelig 09:31

Red Devils gastam muito, mas falta critério
Entrevista com Rafael Oliveira, comentarista da ESPN, no Doentes por Futebol
A hora certa de parar
E se os personagens clássicos dos quadrinhos tivessem envelhecido?
Jack White lança coletânea e vitrola para crianças

quinta-feira, 10 de setembro de 2015

Tom Cochrane

10 exemplos de como 2015 está sendo um ótimo ano para a música - Parte 3

Ricardo Seelig 19:04

Mais uma dezena de motivos pra você amar 2015, com dez discos bem legais que saíram este ano. Aqui, a coisa está mais focada no blues, blues rock e southern, de modo geral.

E pra atualizar o seu playlist, dê uma conferida na parte 1 e na parte 2 desta série de posts.

My Sleeping Karma - Moksha

Quinto álbum da banda alemã My Sleeping karma, Moksha foi lançado no final de maio e traz onze faixas espaciais e siderais. O lance aqui são canções com ricas camadas instrumentais e arranjos espessos que se equilibram entre a psicodelia, o stoner e o space rock.

Dommengang - Everybody’s Boogie

Estreia deste power trio norte-americano, que entrega um blues rock com pitadas psicodélicas. A banda soa como uma mistura bizarra entre ZZ Top e The Doors, com canções predominantemente instrumentais. Se você pegar a estrada ouvindo este disco, certamente ultrapassará todos os limites de velocidade.

Left Lane Cruiser - Dirty Spliff Blues

Este é o oitavo álbum do Left Lane Cruiser, trio formado nos Estados Unidos e que executa um blues rock direto ao ponto, com sonoridade crua e arranjos diretos. Sem frescura, a banda garante a diversão dos ouvidos com boas canções.

Sonny Landreth - Bound by the Blues

Como o título indica, aqui a coisa é pra quem curte blues. Bound by the Blues é o novo álbum do veterano, porém não tão conhecido, bluesman norte americano Sonny Landreth. Guitarrista de mão cheia, com domínio evidente do slide, Landreth passeia por composições próprias e por versões nada óbvias para clássicos como “It Hurts Me Too” e “Key to the Highway”. Boa pedida!

The Muggs - Straight up Boogaloo

Hard rock poeirento, com guitarras pesadas e muito groove, tudo embalado com a inconfundível e deliciosa influência southern e country. Natural de Detroit, o The Muggs retorna com o seu quarto disco, cheio de riffs e refrãos fortes. Pra ouvir no volume máximo, é claro!

Bulletmen - Full Throttle

Southern rock vindo da Espanha, com um disco de estreia bastante influenciado por lendas do porte de Lynyrd Skynyrd e afins. O Bulletmen é uma grande surpresa, mostrando potencial para vôos maiores nos próximos anos. Fique de olho!

Bill Wyman - Back to Basics

Novo disco do baixista original dos Rolling Stones, com uma banda de apoio que conta com nomes de peso como Guy Fletcher (tecladista do Dire Straits) e Robbie McIntosh (Pretenders e Paul McCartney). Como o título do álbum deixa claro: it’s only rock and roll, but I like it!

Tom Cochrane - Take It Home

Rock ianque de estirpe e tradição, na escola Bruce Springsteen. Tom Cochrane está na estrada há décadas com uma longa e sólida discografia, e Take It Home mantém a qualidade característica. As onze faixas do disco apresentam um exemplar trabalho de composição.

King King - Reaching for the Light

Blues rock escocês, de um quarteto natural de Glasgow. Este é o terceiro álbum da banda, e vem com uma sonoridade contemporânea que soa refrescante sem abrir mão das principais características do estilo.

Dan Patlansky - Dear Silence Thieves

Sétimo álbum deste bluesman natural da África do Sul, com canções bem feitas e uma bem-vinda adição de peso - ainda que em doses homeopáticas - ao sempre necessário e agradável blues. Vale a pena colar os ouvidos.

quarta-feira, 9 de setembro de 2015

Rush

Três discos para ouvir hoje: Rush, Pink Floyd e Mike Oldfield

Ricardo Seelig 12:12

terça-feira, 8 de setembro de 2015

Um Disco por Dia

Um disco por dia: Mahavishnu Orchestra - The Inner Mounting Flame (1971)

Ricardo Seelig 18:41

The Inner Mounting Flame é o primeiro disco da Mahavishnu Orchestra, grupo liderado pelo espetacular guitarrista inglês John McLaughlin. Ao lado de McLaughlin estavam músicos experientes e respeitadíssimos. O baterista panamenho Billy Cobham teve passagens pelos grupos de Horace Silver, Kenny Burrel, Miles Davis, George Benson e Quincy Jones, além de inúmeras outras participações. Já o baixista irlandês Rick Laird dividiu o palco com Wes Montgomery, Sonny Stitt e Sonny Rollins, e mais tarde faria parte dos grupos de Stan Getz e Chick Corea.

O tcheco Jan Hammer, pianista e tecladista, colaborou com artistas do porte de Jeff Beck, Al Di Meola, Mick Jagger, Carlos Santana, Stanley Clarke, Elvin Jones e mais uma pá de músicos, além de ter composto, na década de 1980, o tema da série Miami Vice. E o violinista norte-americano Jarry Goodman teve uma passagem pela Orquestra Sinfônica de Chicago, além de ter colaborado com o Dixie Dregs e, mais recentemente, com Jordan Rudess e Derek Sherinian, atual e ex-tecladista do Dream Theater, respectivamente. Isso sem falar do próprio McLaughlin, fundamental na transição de Miles Davis do jazz tradicional para o fusion em álbuns seminais como In a Silent Way (1969), Bitches Brew (1970) e A Tribute to Jack Johnson (1971). Ou seja, um timaço!

Lançado em agosto de 1971, o disco foi automaticamente considerado pela crítica como um clássico. Motivos para isso não faltam. Suas oito faixas mostram uma imensa, inspiradíssima e definitiva simbiose entre rock, música clássica, jazz, blues e até mesmo elementos de música celta. Totalmente instrumental, o álbum tem como seu elemento principal a guitarra de braço duplo de McLaughlin, que é o instrumento central de todas as composições. A partir de seus acordes os arranjos evoluem, caminhando por um mundo próprio onde não há limites entre os gêneros musicais.

Pra lá de técnicos e extremamente virtuosos, todos os cinco músicos, principalmente McLaughlin, Cobham e Hammer, despejam notas rapidíssimas, mas que fazem total sentido nas composições. Há momentos sublimes, principalmente a abertura com "Meeting of the Spirits", as camadas de melodia de "Dawn", a sensacional "The Dance of Maya" e seu contraponto, a calma "You Know You Know".

The Inner Mounting Flame é um dos discos mais incríveis que eu tive o privilégio de ouvir nessas minhas mais de três décadas como consumidor e colecionador de música.

Espiritual, clássico e fundamental!

Todos os dias, um review analisando um título da minha coleção. Pra ouvir com a mente aberta e as portas da percepção escancaradas.

sexta-feira, 4 de setembro de 2015

Reviews

Iron Maiden - The Book of Souls (2015)

Ricardo Seelig 18:17

Cinco anos após The Final Frontier, o Iron Maiden está de volta com o seu décimo-sexto disco. The Book of Souls é o primeiro álbum duplo de estúdio da banda, e também o registro mais longo da carreira dos ingleses. O trabalho traz onze faixas e foi produzido por Kevin Shirley, o responsável pelos últimos lançamentos do grupo.

The Book of Souls é um álbum ousado e totalmente fora da curva do que se esperaria do Iron Maiden, principalmente a essa altura da carreira do sexteto, que está na estrada há quarenta anos - a banda foi formada pelo baixista Steve Harris em 1975. Fora da curva porque traz uma sonoridade renovada e surpreendente, acentuando uma característica que estava cada vez mais evidente nos últimos discos: o mergulho no rock progressivo. Em The Book of Souls o Maiden se joga sem medo no prog, e é justamente esse fator que torna o trabalho tão impressionante.

Por mais estranha que essa afirmação possa parecer, a sensação é que estamos diante do primeiro trabalho “adulto" da banda. As melodias fáceis, as soluções simples, as canções mais diretas, praticamente não existem. Mas não se assuste, pois isso não significa que estamos diante de uma complexidade impenetrável, muito pelo contrário. A banda bebe com classe no progressivo e traz para a ordem do dia canções que se desenvolvem em arranjos repletos de camadas, mudanças de andamento constantes e um onipresente requinte instrumental. E aí entra aquela que provavelmente é a jogada de mestre de The Book of Souls: tudo isso foi gravado ao vivo no estúdio, praticamente sem overdubs. O resultado é uma espontaneidade absolutamente refrescante.

Os mais apressados poderão tomar um susto ao verificar a duração das faixas - as mais curtas ficam nos cinco minutos, enquanto três ultrapassam a barreira dos dez. Mas, quando algo é bom e bem feito, não soa maçante e desnecessário, e isso se verifica de maneira clara em The Book of Souls.

Os recentes projetos pessoais de Steve Harris e Adrian Smith - British Lion e Primal Rock Rebellion, respectivamente - fizeram bem à banda, oxigenando a sonoridade e renovando a musicalidade do grupo. Há uma divisão muito mais democrática na composição das faixas, com todos colaborando - a exceção de sempre é Nicko McBrain. E aqui um detalhe merece menção: The Book of Souls é o primeiro álbum da carreira do Maiden em que Steve não domina esse quesito - no novo disco, Bruce Dickinson é o maestro e está praticamente em pé de igualdade com Harris.

Salta aos ouvidos a inegável qualidade das novas canções. Das onze faixas, praticamente todas se destacam - a única exceção é justamente o primeiro single, a mediana “Speed of Light”. Da abertura classuda com “If Eternity Should Fail” ao brilhantismo de “The Red and the Black”, do ar épico da faixa-título ao clima meio hard de “Tears of the Clown” (música que homenageia o falecido ator Robin Williams e poderia muito bem estar em The Chemical Wedding, melhor álbum solo de Bruce), o que se vê é um desfile de ótimas composições como há muito tempo o Iron Maiden não entregava aos seus fãs.

O clímax está na canção que encerra o trabalho, “Empire of the Clouds”. Com mais de 18 minutos e composta somente por Dickinson, assemelha-se a uma sinfonia que se desenvolve em movimentos intercalados, culminando em uma longa passagem instrumental que tem o trio de guitarras como protagonista. De cair o queixo, literalmente!

Todos os músicos mantém o alto grau de performance característico, mas três se destacam. Bruce canta com enorme feeling, e a notícia de que o vocalista foi diagnosticado com câncer na língua após a gravação só torna ainda mais impressionante o seu trabalho. Steve Harris é o coração do Iron Maiden, e segue fazendo-o pulsar com o talento de sempre. E, por fim, Adrian Smith brilha de maneira absoluta comandando o trio de guitarras, reafirmando o seu papel como um dos maiores instrumentistas da história do heavy metal.

The Book of Souls é um disco impressionante. Um álbum totalmente fora das expectativas daquilo que o Iron Maiden lançaria a esta altura da sua carreira. O disco supera toda e qualquer prognóstico a seu respeito, e deixa a certeza do quão único é o sexteto liderado por Bruce e Steve. Sem dúvida, o melhor álbum do grupo desde o retorno de Dickinson e Smith.

O Iron Maiden vive um novo apogeu, e The Book of Souls é a prova definitiva disso.

Séries de TV

Netflix muda o jogo, o grande disco pop de 2015 e o DJ que é surdo

Ricardo Seelig 10:45

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quarta-feira, 2 de setembro de 2015

Um Disco por Dia

Um disco por dia: Lefties Soul Connection - Hutspot (2006)

Ricardo Seelig 21:15

Parece improvável, e realmente é. Explico: você coloca Hutspot, disco de estreia dos holandeses do Lefties Soul Connection para rolar, e o que sai dos alto-falantes é um delicioso e contagiante funk/soul setentista, influenciado por nomes do porte de The Meters e Booker T. & The MGs.

Improvável por duas razões: primeiro por a banda ser, como eu já disse, natural da Holanda, e executar com competência ímpar um gênero musical nascido das dores, frustrações e sonhos da população negra norte-americana. E segundo porque, ao contrário do que tudo indica, o primeiro disco dos caras não foi lançado na primeira metade da década de 1970 e ficou escondido anos a fio em sebos e no submundo dos colecionadores - pelo contrário, o CD é de 2006!

Vamos lá então: o Lefties Soul Connection foi formado em Amsterdam, capital holandesa, em agosto de 2001 pelo guitarrista Onno Smit e pelo organista Alviz (assim mesmo, sem sobrenome algum). No final daquele ano o batera Cody Vogel juntou-se à dupla, e o line-up foi completado em meados de 2002, quando o baixista Bram Brosman completou o quarteto (esse último deixou o combo em 2008, sendo substituído por Pieter Bakker).

A banda ganhou destaque na mídia dos Países Baixos através da ótima repercussão alcançada pela versão que fizeram de "Organ Donor", do DJ Shadow. O single chamou a atenção da Excelsior, que assinou com os caras, colocando o primeiro play do grupo na praça.

O som, como eu já disse, é um funkão de remexer o esqueleto, repleto de groove e com elementos de soul music, principalmente devido à onipresente e muito bem-vinda influência de Booker T. O disco é totalmente instrumental, com exceção de uma faixa, "It´s Your Thing / Hey Pocky A-Way", que conta com vocais - não por acaso, a "menos boa" do CD. As outras composições levam o ouvinte em um embalo constante, sempre com o órgão Hammond de Alviz à frente.

Momentos empolgantes são garantidos através de pérolas como "Doin´ the Thing", que abre o play com um quebradeira danada; "V2", que nos transporta sem cerimônia para meados dos anos 1960; a já citada versão de "Organ Donor", onde o grupo desconstrói a composição do DJ Shadow, com destaque para a guitarra de Onno Smit; o groove cheio de malícia de "Generator Oil"; e a energia bruta da faixa-título. A bem da verdade, todas as composições apresentam um nível bastante elevado, e essas citadas são apenas as minhas favoritas.

Depois de Hutspot o Lefties Soul Connection lançou mais dois discos - Skimming the Skum em 2007 e One Punch Pete em 2011 -, e desde então está na estrada, fazendo frequentes turnês pela Europa.

Se você gosta de The Meters, Booker T & The MGs, Kashmere Stage Band e toda aquela cena funk/soul norte-americana do final dos anos 1960 e início dos 1970, vai pirar com esse primeiro disco do Lefties Soul Connection. Uma grata surpresa, que irá descer redondo pelos ouvidos, cabeças e pés de todo e qualquer amante da boa música.

Enfim, extremamente recomendável!

Todos os dias, um review de um título da minha coleção. Pra tirar os móveis da sala e ouvir remexendo o esqueleto.

Year of the Goat

3 discos pra ouvir hoje: Year of the Goat, Anciients e Dirty Sweet

Ricardo Seelig 10:35

terça-feira, 1 de setembro de 2015

Opinião

Opinião: o mundo não precisa de um retorno do Guns N’ Roses

Ricardo Seelig 19:09

Parece uma daquelas manchetes de revistas de fofocas, e em muitos aspectos é isso mesmo. Vamos lá: nas últimas semanas, dezenas, centenas, milhares de sites/veículos em todo o mundo noticiaram que Slash fez as pazes com Axl Rose. O que, logicamente, deu origem a um sem número de rumores sobre o possível retorno da formação clássica da banda.

O Guns N’ Roses merece um estudo, e bem profundo. A rigor, a banda gravou apenas três discos, sendo que o último registro relevante do grupo saiu há praticamente 25 anos - em 1991, um quarto de século atrás. É inegável a importância que o quinteto teve durante a década de 1980 e início dos anos 1990, isso é inquestionável. Appetite for Destruction, lançado em 21 de julho de 1987, é uma das maiores e melhores estreias da história do rock. Unindo Led Zeppelin e Aerosmith em um mesmo caldeirão, Axl e sua turma gravaram o disco definitivo do glam rock oitentista e um dos grandes álbuns da história do hard rock. E, de lambuja, redefiniram estereótipos, reescrevendo a trama e a atuação de personagens emblemáticos como o vocalista superstar e o guitar hero enigmático.

Então, um EP com outtakes e versões ao vivo para acalmar o mercado, enquanto os integrantes bebiam, cheiravam e transavam com todas as menininhas da cidade. G N’ R Lies (1988) acabou ganhando uma proporção exagerada, levado pelo enorme sucesso de “Patience”, sua principal faixa. Mais combustível para turnês intermináveis, muita grana no bolso e exageros de toda parte.

E essa megalomania culminou nos dois volumes de Use Your Illusion, que chegaram às lojas de todo o planeta em 17 de setembro de 1991. Mas, apesar do exagero de lançar dois álbuns duplos de maneira simultânea, revelando nada mais nada menos do que 30 novas canções, ao mesmo tempo, para os fãs, o Guns conseguiu conceber dois registros recheados de faixas fortes, que solidificaram o status do quinteto como a maior banda de rock do mundo.

Foi então que tudo começou a desabar. Embalados por doses industriais de ego, bebida e drogas, Axl entrou em conflito com Slash, que brigou com Duff, que brigou com o empresário, que saiu fora... Um monte de confusão. O GNR ainda liberaria o disco de covers The Spaghetti Incident? em 1993 e o ao vivo Live Era ’87-’93 em 1999, ao mesmo tempo em que, um por um, os músicos iam saindo fora do barco. Bye bye Slash, adeus Duff, tchauzinho Matt e todo mundo.

Só restou Axl. Que embarcou em uma jornada épica de mais de uma década, culminando no desastroso Chinese Democracy, lançado em 2008. Ao seu lado, uma enorme banda com três guitarristas e mais um monte de gente, rodando o mundo em apresentações destinadas aos fãs, sedentos por assistir ao vivo a magia que ficou perdida nos anos 1980.

E daí vem essa história de uma possível reunião da formação clássica da banda, com Slash e Duff ao lado de Axl novamente. Sério, gente? A cultura do classic rock é realmente muito nefasta, olhando apenas para o passado e desprezando praticamente tudo que seja produzindo hoje em dia - com exceção, adivinha, dos nomes que entregam uma sonoridade considerada “clássica”. O mundo anda pra frente, e é assim que a gente evolui. É inegável o impacto e a influência do Guns na história do rock, isso ninguém discute. Mas, o que também ninguém discute - com a provável exceção dos mais fanáticos - é que é impossível reviver a força e tudo mais que ficou perdido anos atrás.

Axl Rose tinha 25 anos em 1987. Hoje, tem 53 anos e não consegue cantar como antes, há tempos. Izzy Stradlin, principal compositor da banda, vive os seus cinquenta e tantos anos longe dos holofotes, e por escolha própria. O cinquentenário Duff está mais magro e tem uma vida saudável com seus discos solo, em um contraste violento com a figura inchada e sempre bêbada de 25 anos atrás. Slash tem gravado bons álbuns ao lado de Myles Kennedy, e, musicalmente, tem entregado discos bem interessantes. E Steven Adler virou um frequentador assíduo de programas tipo Celebrity Rehab.

Assim como Axl, Slash, Duff, Izzy e Staven mudaram muito nesse tempo todo, você também mudou. Cresceu, amadureceu, evoluiu. Descobriu novos sons, teve novas prioridades em sua vida. O Guns foi legal, mas é uma coisa do passado, de um tempo que não volta mais. Desejar com um retorno da banda, como se isso fosse trazer de volta toda a magia de décadas passadas, é como acreditar em Papai Noel e outras bizarrices.

Bola pra frente, gente. A fila anda, e a vez do Guns já passou, faz tempo...

Trombone Shorty

3 discos pra ouvir hoje: Trombone Shorty, Deodato e Herbie Hancock

Ricardo Seelig 11:04

segunda-feira, 31 de agosto de 2015

Música

10 opiniões sobre The Book of Souls, novo álbum do Iron Maiden

Ricardo Seelig 12:23

É difícil lembrar de outra banda desta geração capaz de soar ainda vital e inspirada depois de tantos anos como o Iron Maiden soa em The Book of Souls.
Classic Rock Magazine

Uma gigantesca jornada emocional através de algumas das melhores performances da carreira do Iron Maiden. A espera de cinco anos foi mais do que compensada com The Book of Souls.
Metal Hammer

O trabalho mais abrangente e confiável do Iron Maiden desde Brave New World, e com certeza um dos melhores discos do longo catálogo da banda.
Blabbermouth

Os antigos mestres estão novamente no topo de sua forma, de uma maneira como não víamos desde 1988. O Iron Maiden anda para frente como se não tivesse o passado que possui, recompensando seus fãs com um verdadeiro apogeu desta parte final de sua carreira.
PopMatters

É aconselhável que se ouça The Book Of Souls várias vezes até ter uma conclusão mais concreta. Mas, tendo em vista o que a banda vinha fazendo, trata-se de uma excelente pedida. Especialmente para quem sentia que o lado mais heavy vinha sendo deixado de lado em prol da veia prog. Bem que o futuro poderia trazer um disco mais Bruce/Adrian e menos Steve, só pelo curiosidade do que sairia.
Van do Halen

Ancorado tanto em sua inteligência quanto em sua musicalidade, The Book of Souls é um deleite que supera todas as expectativas. É muito heavy metal, e é muito, muito bom!
The Skinny

Com The Book of Souls, o Iron Maiden deixou ainda mais sólida a sua reputação de ícone do rock e do metal. O disco é mais um capítulo gratificante de uma carreira lendária que se distingue pela musicalidade hábil, letras inteligentes e um magistral trabalho de composição. Se The Book of Souls for o capítulo final, trata-se de um encerramento impressionante.
Metalholic

O disco tem muitos momentos que remetem aos anos clássicos da banda, mas também mostra que o Iron Maiden segue evoluindo e andando para frente. Ao invés de soar apenas como uma banda de heavy metal, o grupo inseriu elementos de rock progressivo em sua música nos últimos anos, e foi justamente isso que permitiu que o Maiden continuasse a soar relevante.
Examiner

O veredito? The Book of Souls é o melhor álbum do Iron Maiden desde o quase perfeito Brave New World. O time de compositores formado por Harris, Dickinson, Smith, Gers e Murray manifesta o seu talento individual em forma de criatividade coletiva, enquanto a performance e a produção mantém a excelência habitual. Fãs, podem se animar: o Iron Maiden atingiu o ouro com The Book of Souls!
Metal Assault

Um disco notável, principalmente por expandir os horizontes sonoros da banda e derrubar noções preconcebidas sobre o que é o Iron Maiden.
BraveWords

Opinião

Opinião: os fantasmas se divertem

Ricardo Seelig 11:12

O mundo do heavy metal, muitas vezes, é bastante semelhante a uma competição frenética. Estão lá milhares de Usains Bolts tentando soar uns mais rápidos que os outros, transformando estilos mais extremos em uma corrida sem sentido e pra lugar nenhum. É possível encontrar o hype desgovernado e exacerbado, que embala guitarras agudas e a aproximação com o shoegaze na fórmula mágica que eleva uma banda desconhecida para o status de cult (alguém aí falou Deafheaven? Alguém?). Está lá o culto exagerado ao passado, às mesmas fórmulas já testadas e que deram certo milhões de vezes, em detrimento ao experimentalismo e à aproximação com outros estilos, principalmente os considerados mais acessíveis e “comerciais" (aliás, essa palavra assusta os fundamentalistas do heavy metal mais que a figura do cramulhão em pessoa).

Nesse rolo todo, onde nomes consagrados percebem que é muito mais vantajoso fazer turnês intermináveis com praticamente o mesmo setlist (o Metallica, por exemplo, acabou de bater o recorde de público da história da Suécia, colocando mais de 60 mil pessoas no Ullevi Stadium, em Gotemburgo) do que entrar em estúdio e gravar canções inéditas, e onde os poucos que decidem registrar suas novas ideias são cobrados explicitamente por não soarem "como deveriam soar" (tá aí o Iron Maiden experimentando em seus últimos quatro discos e sendo mal recebido por uma grande parcela dos fãs, que ainda esperam que eles soem, do alto de seus 60 anos de vida, como soavam quando tinham vinte e poucos anos e gravaram Powerslave), o Ghost é um ponto fora da curva. E ainda bem que é assim.

A banda sueca, que os mais preguiçosos teimam em resumir ao aspecto visual e a uma suposta semelhança com o Mercyful Fate (e que, na verdade, musicalmente está muito mais próxima do Blue Öyster Cult do que da trupe de King Diamond), é muito inteligente. E usa essa característica ao olhar para o passado e pinçar, com rara maestria, aspectos sonoros de décadas anteriores, utilizados na construção de uma sonoridade refrescante, atual e contagiante. E, acima de tudo, extremamente contrastante com a correria e a busca pela agressividade cada vez mais extrema que pautam o metal atualmente.

Isso faz o Ghost ser uma banda diferente. E, como todo mundo sabe, quem é diferente se destaca em um mundo de iguais. Embalados pelo visual ao mesmo tempo macabro e fascinante, lição aprendida de maneira exemplar com ícones como Alice Cooper e Kiss, o Ghost consegue produzir uma música de inegável qualidade. Isso já havia ficado claro nos dois primeiros discos do grupo - o surpreendente Opus Eponymous (2010) e o ótimo Infestissumam (2013) - e é outra vez evidente em Meliora, terceiro álbum do sexteto, lançado na última semana.

O trabalho equilibra aspectos dos dois registros anteriores. Há a espontaneidade da estreia, evidente em faixas como “Spirit" e “From the Pinnacle to the Pit”, e também a saudável vontade de experimentar e tentar novos caminhos de Infestissumam, percebida em faixas como “Cirice”, “He Is” e “Deus in Absentia”. A banda, como já havia feito em seu segundo álbum, não se prende aos limites estilísticos do heavy metal, e mete o pé sem medo na psicodelia, no prog e até mesmo no pop. E é justamente essa atitude, essa coragem e essa postura destemida que fazem com que o Ghost brilhe e se sobressaia cada vez mais.

Com Opus Eponymous, Infestissumam e Meliora, os suecos liderados por Papa Emeritus criaram uma trilogia ao mesmo enigmática e apaixonante. Uma história que a cada disco, a cada passo, conduz a banda em uma trajetória ascendente, conquistando um número cada vez maior de corações e mentes.

quarta-feira, 26 de agosto de 2015

Música

10 opiniões sobre Berlin, novo álbum do Kadavar

Ricardo Seelig 17:59

Esta é uma banda formada por caras que cresceram ouvindo Beatles, Led Zeppelin, Thin Lizzy, Black Sabbath e Scorpions, o que não é muito comum, considerando a pouca idade dos integrantes. Berlin é um disco muito gratificante, e certamente um dos melhores álbuns do ano.
About Heavy Metal

Berlin é um daqueles discos barulhentos e cheios de distorção, que precisa ser tocado em alto volume para que as pessoas ouçam que o blues rock setentista está vivo e muito bem.
Metal Temple

Se você gosta de rock clássico na linha de Deep Purple e Scorpions, e também com algumas pitadas de Hawkwind e Rush, este disco certamente é um sonho de consumo!
New Noise Magazine

A banda honra as suas origens e a sua cidade natal em Berlin. Mesmo sem o ar inovador do disco anterior, o Kadavar conseguiu gravar um disco delicioso que irá agradar os velhos fãs e tem força para conquistar novos admiradores. Berlin é um trabalho digno de atenção.
Heavy Magazine

O Kadavar tentou criar algo memorável em Berlin, mas mesmo com todos os seus ganchos e melodias, faltou algo na mistura. Em um mar de bandas navegando na cena do rock retrô, o grupo simplesmente não tem força suficiente para se destacar.
Exclaim

Após várias audições, afirmo que Berlin é não apenas o melhor álbum do Kadavar, mas também uma obra-prima do hard rock psicodélico. É o tipo de disco que eu espero que, daqui há muitos anos, seja desenterrado por um garoto para provar que o rock dos anos 2000 continua valendo a pena.
The Great Southern Brainfart

O Kadavar escreveu um novo significado para a palavra Berlin: um implacável rock and roll de chutar bundas! Nota 9, com louvor!
The Rock ’n Roll Review

Em Berlin, o Kadavar leva mais uma vez o ouvinte por uma emocionante viagem aos anos 1970. No final, uma certeza: essa cidade é maravilhosa, e todas que vivem nela usam barbas longas e calças bocas de sino.
Metal.de

O Kadavar é uma banda com grande potencial, mas precisa experimentar mais e sair do hard rock padrão. O trio é muito bom no que faz, e se você curte essa vibe de hard rock old school, vai curtir o disco.
Metal Wani

Um disco bom. Muito bom. Realmente de cair o queixo!
Rock ’n Reel

The Bad Plus

3 discos pra ouvir hoje: My Baby, Joshua Redman & The Bad Plus e Pops Staples

Ricardo Seelig 12:33

Viagem

Lady Gaga é o novo Iron Maiden, a evolução de M.I.A. e Nova Orleans uma década depois do furacão Katrina

Ricardo Seelig 09:26

Low, a brisa eletrônica de David Bowie e Brian Eno
Lady Gaga: não sou a próxima Madonna, sou o próximo Iron Maiden
10 anos do furacão Katrina
A evolução de M.I.A.
Fotógrafo registra a vida em Nova Orleans após o Katrina

terça-feira, 25 de agosto de 2015

Vintage Trouble

10 exemplos de como 2015 está sendo um ótimo ano para a música - Parte 2

Ricardo Seelig 19:00

Uma das coisas que mais me tira do sério em relação à música é o que eu chamo de “complexo de classic rock”. Aquele cara que, mesmo sem ouvir NADA do que anda sendo lançado atualmente - com exceção dos artistas clássicos, é claro -, acredita piamente que a música de qualidade está apenas nos discos lançados em décadas passadas.

O fato é que tem música boa nas décadas de 1960, 1970 e afins. E também muita música ruim. Assim como tem muito lixo feito hoje em dia, e muito biscoito fino para os ouvidos sendo produzido e gravado agora mesmo.

Abaixo, outros dez discos lançados este ano e que mostram o quão interessante 2015 está sendo em termos musicais. Vários gêneros, vários climas, é só curtir!

The Aristocrats - Tres Caballeros

O Aristocrats é um super trio formado por Guthrie Govan (guitarra, Asia, The Young Prux, Steve Wilson), Bryan Beller (baixo, Dethlock, Steve Vai, James LaBrie e Dweezil Zappa) e Marco Minnemann (bateria, Joe Satriani e Steve Wilson). Tres Caballeros é o terceiro disco da banda e traz nove faixas instrumentais que transitam entre o prog, fusion, jazz e rock. Técnica pura, andamentos de quebrar o quadril, bastante agradável de se ouvir.

The Seven Ups - The Seven Ups

Natural da Austrália, o Seven Ups é uma big band de afrobeat e funk. Balanço certo em um disco de estreia excelente, perfeito pra cair na dança ou apenas colocar os neurônios pra pular. Metais inspirados, cozinha pulsante e muito bom gosto são os ingredientes principais.

Corsair - One Eyed Horse

Um pouquinho de peso sempre faz bem. Aqui, ele vem dos Estados Unidos e atende pelo nome de Corsair. A banda foi formada em 2008, lançou a sua auto-intitulada estreia em 2012 e este ano soltou One Eyed Horse. O som é um hard rock com ecos de stoner e guitarras gêmeas onipresentes. Uma espécie de Black Sabbath querendo ser Thin Lizzy, ou vice-versa - neste caso, a ordem dos fatores não altera a soma.

Melody Gardot - Currency of Man

Jazz e soul contemporâneos, na bela voz da cantora norte-americana natural da Philadelphia. Currency of Man é o quarto álbum de Melody Gardot e foi lançado no início de junho. Bom gosto, classe, experimentação: tem de tudo, e tudo com muita qualidade.

The Dip - The Dip

Estreia deste combo de nove integrantes vindo de Seattle. Soul da melhor estirpe, remetendo às décadas de 1960 e 1970 mas sem soar ultrapassado. É fã de The Meters? Então você vai adorar o The Dip.

Vintage Trouble - 1 Hopeful Rd.

Segundo álbum de inéditas do Vintage Trouble, quarteto de blues rock vindo de Hollywood. Muito balanço e doses generosas de feeling em ótimas canções, onde o destaque, invariavelmente, é o belo timbre do vocalista Ty Taylor.

The Word - Soul Food

Jam band norte-americana que conta com integrantes do North Mississippi Allstars somados a Robert Randolph e John Medeski. O gabarito dos músicos garante a alta qualidade de Soul Food, disco de estreia do grupo. O negócio aqui é um som que transita entre o funk, o soul e o country. "Demais" é a palavra correta pra definir o que sai dos alto-falantes.

Tigran Hamasyan - Mockroot

Tigran Hamasyan é um pianista armênio, cujo trabalho tem como principal característica unir o jazz e a música folclórica de seu país. Mockroot é o seu sexto álbum e foi lançado pela Nonesuch Records, tradicional reduto dos bons sons.

Imperial State Electric - Honk Machine

Quarto álbum do Imperial State Electric, quarteto sueco surgido das cinzas do The Hellacopters. A música é similar à finada banda, mas com uma aproximação ainda mais forte ao que Kiss e Alice Cooper faziam nos anos 1970. Não tem como não gostar!

The Sure Fire Soul Ensemble - The Sure Fire Soul Ensemble

Soul instrumental natural de San Diego. A banda equilibra influências de nomes como Curtis Mayfield, Isaac Hayes e Quincy Jones com ecos de artistas atuais como o The Poets of Rhythm. Pra tirar os móveis da sala e ouvir a todo volume, dançando sem parar.