2015 - prateleira do cadão | música | futebol | cultura pop

quarta-feira, 16 de setembro de 2015

Uma nova Collectors Room

A experiência aqui no Prateleira me fez bem. Um ambiente mais calmo, mais sereno, sem a obrigação de postar várias vezes durante o dia. Textos mais leves, mais prazerosos, mais legais pra mim mesmo.

Enquanto isso, mesmo estando há mais de quatro meses sem contar com postagens novas, a Collectors Room mantém a sua alta audiência.

Por essa razão, resolvi unir o melhor destes dois sites que desenvolvi: a leveza da Prateleira com a amplitude de público da CR. Assim, nasce uma nova Collectors Room, com o propósito de ainda ter a música como prato principal, mas indo além dela, trazendo também para os leitores textos sobre séries, cinema, HQs, cotidiano e o que mais pintar.

Layout cru a princípio, sem maiores firulas gráficas, onde o foco é apenas o conteúdo.

Quem quiser vir junto, é bem-vindo.

Quem não está muito disposto e não curtiu as inconstâncias do site nos últimos anos, com idas e vindas, tem outras opções na internet, sem problemas.

Essa é a nova Collectors Room: mais leve, mais clean, mas com o amor e o tesão de sempre pela música e pelas coisas legais da vida.

www.collectorsroom.com.br

Slayer

Nas bancas: Iron Maiden, Slayer, Keith Richards, Buddy Guy, Emicida e mais

Ricardo Seelig 19:11

Playlists

Playlist: Narcos

Ricardo Seelig 12:31

Uma playlist baseada em Narcos, contendo a música tema da série, faixas inspiradas em Pablo Escobar e também canções que tem a cocaína como tema.

Só dar play e vir junto!

Opinião

Opinião: o jazz como ferramenta para a evolução do ouvinte

Ricardo Seelig 11:21

Sempre escutei rock. Desde que comecei a consumir música de maneira contínua e diária, o rock sempre foi o protagonista. A trilha da minha adolescência foi formada por doses cavalares de Black Sabbath, Iron Maiden, Metallica, Led Zeppelin, Beatles e outros ícones. E seguiu nessa toada ano após ano. Apesar de sempre ter mantido o ouvido curioso - adoro pop, por exemplo -, ele ficou limitado ao universo do rock e do metal.

Mas o jazz sempre andava por ali. De tempos em tempos, tentava dar uma experimentada, uma degustada no gênero, mas a sensação era sempre indigesta. A impressão constante era a de que cada um dos músicos estava tocando uma canção diferente do outro. Que os instrumentos não combinavam. Que a coisa não batia e não funcionava.

Anos e anos tive essa sensação em relação ao jazz. Até que 2008 chegou. Estava com 34 anos e meu filho acabara de nascer. O Matias trouxe uma alegria indescritível. E, junto com ela, uma maturidade necessária e muito bem-vinda. E que, até que enfim, foi capaz de me fazer entender o jazz, traduzi-lo para os meus ouvidos.

Dois discos foram os responsáveis por essa transformação, ambos, curiosamente, lançados no mesmo ano: 1959. Falo de Time Out, do Dave Brubeck Quartet, e de Kind of Blue, de Miles Davis. Através destes dois títulos, o jazz se tornou entendível para mim. E isso se deu pela acessibilidade da dupla, já que estamos falando de dois álbuns que, mesmo possuindo as refinadas estruturas harmônicas características do jazz, fazem a tradução destes elementos de forma fácil ao ouvinte leigo.

Time Out é um álbum matemático. Suas composições evoluem em arranjos marcados que caminham de compasso em compasso, em melodias crescentes. O grande clássico do disco é a imortal “Take Five”, uma das canções mais conhecidas do estilo, e uma porta de entrada perfeita para quem nunca experimentou o gênero.

Já Kind of Blue marca o nascimento do jazz modal, estilo onde as melodias se desenrolam em camadas suaves e intercaladas, que servem de base para os vôos solos dos instrumentistas. No caso deste título específico, o genial Miles Davis estava ao lado de outro músico singular, o saxofonista John Coltrane, e ambos entregam performances divinas no disco.

Um parágrafo destinado apenas para um adendo focado no fã de rock: ao contrário do que ouvimos nos discos do estilo que tanto amamos, onde, na grande maioria dos casos, cada instrumento é gravado de forma separada, com a mixagem unindo tudo, no jazz a coisa é feita de outra forma. Com todos os músicos reunidos no estúdio, a canção é executada uma, duas, quantas vezes se achar necessário até alcançar a perfeição, com todos tocando juntos. Tudo fica mais espontâneo e verdadeiro, ao meu ver.

Partindo de Time Out e Kind of Blue, mergulhei em diversos outros artistas e discos. Thelonious Monk virou meu parceiro, Stanley Clarke me mostrou que o baixo poderia alcançar outro nível, Herbie Hancock remexeu profundamente o meu esqueleto. Tudo isso em um processo que colocou o jazz entre os meus gêneros favoritos de música.

O que isso tem a ver com o rock? O que isso tem a ver com você que está lendo este texto e é um fã do bom e velho rock and roll, das guitarras pesadas do heavy metal e da força da música pop? Pegando como base a experiência que vivi - e continuo experimentando - com o jazz, o que posso afirmar é que o gênero quebrou barreiras e alargou as minhas percepções pessoais sobre a música. Ao caminhar por estruturas livres e sempre buscar a experimentação e a inovação, seja através de andamentos inusitados ou arranjos que almejam novas formas de decodificar a música, o jazz me levou para muito além do 4x4 tradicional do rock. Esse passo além me ajudou não apenas na atração por artistas que procuram fugir do convencional, como também foi essencial para um entendimento mais profundo e completo da obra de bandas que já eram importantes..

Meu entendimento sobre o Clash, por exemplo, mudou completamente após a inserção do jazz na minha vida. Se antes eu já adorava a banda, após fiquei ainda mais impressionado pela intensa musicalidade dos britânicos. O mesmo vale para os Beatles, que caminharam de composições simples para faixas onde o experimentalismo era onipresente, e sempre mantendo a capacidade saudável de fazer tudo soar acessível.

Sou da opinião de que, quanto mais você faz uma coisa, melhor você fica naquilo. É o caso da música. Quanto mais você ouve, mais você aprende. Quanto mais você é exposto e se deixa experimentar gêneros que fogem do seu cardápio habitual, mais elementos agrega ao seu vocabulário. E, nesse sentido, o jazz possui um valor incrível como catalisador de novas possibilidades.

Ouça jazz. Ouça rock. Ouça o que você quiser. Mas sempre com o ouvido curioso e destemido. Deixe a música revelar toda o seu esplendor. É demais sentir essa sensação, eu garanto.

segunda-feira, 14 de setembro de 2015

Séries de TV

Narcos - Primeira Temporada (Netflix, 2015)

Ricardo Seelig 11:40

A vida de Pablo Escobar possui uma infinidade de elementos que transformam a trajetória do maior traficante de drogas do século XX - e um dos maiores criminosos dos tempos modernos - em algo que beira a ficção. Não por acaso, diversos filmes e séries tem Escobar como personagem principal. Narcos, produção original da Netflix lançada no final de agosto, é o mais recente destes projetos.

Com produção de José Padilha (o diretor de Tropa de Elite e da nova versão de Robocop, e que também assina a direção dos dois primeiros episódios), Narcos traz Wagner Moura na pele de Pablo Escobar e conta com um elenco multinacional - Pedro Pascal, o Oberyn Martell de Game of Thrones, entre eles. A trama conta a formatação e ascensão da indústria da cocaína, e utiliza como fio condutor a trajetória de Escobar. Lançando mão de um artifício presente em Tropa de Elite - a locução em off -, a série ganha um clima documental através do relato do agente norte-americano Steve Murphy, integrante do DEA e parceiro do personagem vivido por Pascal na busca incessante por Escobar.

Tecnicamente, Narcos beira a perfeição. Com excelente fotografia - a cargo de Lula Carvalho - e rigorosa reconstituição de época, os dez episódio prendem o espectador de maneira precisa. Com diálogos bem escritos, a série revela, um a um, os inúmeros integrantes da teia de Escobar, personagens que apresentam uma dicotomia onipresente, colocando sempre seus interesses pessoais em primeiro plano. Falada em inglês e espanhol, Narcos mantém os idiomas de origem dos personagens, e esse é um dos seus maiores acertos.

A analogia feita ao realismo fantástico logo no primeiro capítulo revela-se como uma espécie de introdução para tudo que virá a seguir, com Pablo Escobar assumindo o protagonismo de uma trama que não fica devendo nada, em reviravoltas e fatos insólitos, à história da família Buendía contata por Gabriel García Marquez no clássico Cem Anos de Solidão. Porém, como uma diferença fundamental: a história de Pablo realmente aconteceu.

Sem tomar partido de nenhum dos lados, os episódio mostram o assombroso poderia econômico e social conquistado por Escobar, com extensão para todos os braços da sociedade colombiana. A interpretação de Wagner Moura, que entrega um Pablo sereno e calmo na grande maioria das cenas, deixa ainda mais perturbadora a imagem do patrão da cocaína.

Com personagens ricos e interpretações de alto nível da maioria do casting, Narcos alcança um resultado final muito bom, atestando a alta e já conhecida qualidade das produções da Netflix. Só fica uma dúvida: com a história chegando praticamente ao fim na primeira temporada, a já anunciada segunda temporada dá todas as dicas de que irá muito além de Pablo Escobar, englobando também outros criminosos, principalmente os integrantes do Cartel de Cali. Se isso realmente acontecer, será mais um acerto.

Assista, vale muito a pena - ah, e a trilha sonora é demais!

sexta-feira, 11 de setembro de 2015

Slayer

10 opiniões sobre Repentless, o novo álbum do Slayer

Ricardo Seelig 16:35

Furioso, violento, visceral, rápido, infernal, cru, sufocante, agressivo, incendiário. Todos estes são adjetivos que caberiam como uma luva para definir Repentless, primeiro disco da potência metálica conhecida como Slayer em seis anos. Repentless é curto, direto ao ponto, preciso, sem rodeios. Pode não ser um clássico? Que não seja. Mas é um Slayer absolutamente verdadeiro e fiel à sua essência, para alegria daqueles que não os abandonaram desde Christ Illusion (2006).
Judão

O Slayer se mantém fiel às suas características e sabe que terá jogo ganho junto aos fãs. Há prós e contras nesta ideia, como em qualquer caso semelhante. Porém, não dá para negar a qualidade de Repentless.
Van do Halen

Se com Jeff Hanneman a gente já esperava um típico Slayer em ação, sem ele ficou improvável que a banda traria alguma diferença estilística mais marcante. O trabalho poderia ser melhorado em vários aspectos, sobretudo na produção, que parece um pouco crua demais, como se a mixagem final tivesse sido apressada e um pouco descuidada. Com tudo, o resultado final mais cru e mais seco ressalta o peso e o jeitão old school da banda.
Escuta Essa

O Slayer conseguiu produzir um bom álbum mesmo sem a presença de dois de seus integrantes mais importantes - Jeff Hanneman e Dave Lombardo. Mesmo assim, Repentless não dá a resposta definitiva se a banda tem ou não fôlego para seguir em frente.
Pitchfork

Após um hiato de seis anos e mudanças importantes da formação, surgiram dúvidas sobre a relevância atual do Slayer. Todas são devidamente dissipadas com Repentless.
Loudwire

A lenda do thrash metal segue estupidamente excitante!
The Guardian

Com Repentless, o Slayer provou que segue relevante mesmo sem a presença de Hanneman. Quatro décadas após a sua formação, a banda ainda se mantém como uma das maiores referências do thrash.
Wall of Sound

Repentless levanta sérias questões sobre a legitimidade do Slayer. O disco serve como um lembrete de a banda, agora, é um mero negócio, e que suas turnês e merchandising dependem de material fresco para gerar demanda. O resultado deste contexto é um disco esquecível, com canções e letras estúpidas. O Slayer vai continuar a ser uma boa banda ao vivo, mas se o quarteto deseja que o público se importe com suas novas canções, vai precisar fazer muito melhor do que isso.
Angry Metal Guy

Repentless pode não oferecer muitas novidades ao som do Slayer, mas irá agradar aos fãs de uma das mais influentes e importantes bandas da história do metal.
Sputnik Music

Repentless não é o disco perfeito do Slayer, mas comprova que a banda é a versão satânica do AC/DC e do Motörhead, não precisando apresentar grandes variações para agradar todo mundo.
StereoBoard

Quadrinhos

Jack White lança disco para crianças, rockstars chegando perto da aposentadoria e a falta de critério do Manchester United

Ricardo Seelig 09:31

Red Devils gastam muito, mas falta critério
Entrevista com Rafael Oliveira, comentarista da ESPN, no Doentes por Futebol
A hora certa de parar
E se os personagens clássicos dos quadrinhos tivessem envelhecido?
Jack White lança coletânea e vitrola para crianças

quinta-feira, 10 de setembro de 2015

Tom Cochrane

10 exemplos de como 2015 está sendo um ótimo ano para a música - Parte 3

Ricardo Seelig 19:04

Mais uma dezena de motivos pra você amar 2015, com dez discos bem legais que saíram este ano. Aqui, a coisa está mais focada no blues, blues rock e southern, de modo geral.

E pra atualizar o seu playlist, dê uma conferida na parte 1 e na parte 2 desta série de posts.

My Sleeping Karma - Moksha

Quinto álbum da banda alemã My Sleeping karma, Moksha foi lançado no final de maio e traz onze faixas espaciais e siderais. O lance aqui são canções com ricas camadas instrumentais e arranjos espessos que se equilibram entre a psicodelia, o stoner e o space rock.

Dommengang - Everybody’s Boogie

Estreia deste power trio norte-americano, que entrega um blues rock com pitadas psicodélicas. A banda soa como uma mistura bizarra entre ZZ Top e The Doors, com canções predominantemente instrumentais. Se você pegar a estrada ouvindo este disco, certamente ultrapassará todos os limites de velocidade.

Left Lane Cruiser - Dirty Spliff Blues

Este é o oitavo álbum do Left Lane Cruiser, trio formado nos Estados Unidos e que executa um blues rock direto ao ponto, com sonoridade crua e arranjos diretos. Sem frescura, a banda garante a diversão dos ouvidos com boas canções.

Sonny Landreth - Bound by the Blues

Como o título indica, aqui a coisa é pra quem curte blues. Bound by the Blues é o novo álbum do veterano, porém não tão conhecido, bluesman norte americano Sonny Landreth. Guitarrista de mão cheia, com domínio evidente do slide, Landreth passeia por composições próprias e por versões nada óbvias para clássicos como “It Hurts Me Too” e “Key to the Highway”. Boa pedida!

The Muggs - Straight up Boogaloo

Hard rock poeirento, com guitarras pesadas e muito groove, tudo embalado com a inconfundível e deliciosa influência southern e country. Natural de Detroit, o The Muggs retorna com o seu quarto disco, cheio de riffs e refrãos fortes. Pra ouvir no volume máximo, é claro!

Bulletmen - Full Throttle

Southern rock vindo da Espanha, com um disco de estreia bastante influenciado por lendas do porte de Lynyrd Skynyrd e afins. O Bulletmen é uma grande surpresa, mostrando potencial para vôos maiores nos próximos anos. Fique de olho!

Bill Wyman - Back to Basics

Novo disco do baixista original dos Rolling Stones, com uma banda de apoio que conta com nomes de peso como Guy Fletcher (tecladista do Dire Straits) e Robbie McIntosh (Pretenders e Paul McCartney). Como o título do álbum deixa claro: it’s only rock and roll, but I like it!

Tom Cochrane - Take It Home

Rock ianque de estirpe e tradição, na escola Bruce Springsteen. Tom Cochrane está na estrada há décadas com uma longa e sólida discografia, e Take It Home mantém a qualidade característica. As onze faixas do disco apresentam um exemplar trabalho de composição.

King King - Reaching for the Light

Blues rock escocês, de um quarteto natural de Glasgow. Este é o terceiro álbum da banda, e vem com uma sonoridade contemporânea que soa refrescante sem abrir mão das principais características do estilo.

Dan Patlansky - Dear Silence Thieves

Sétimo álbum deste bluesman natural da África do Sul, com canções bem feitas e uma bem-vinda adição de peso - ainda que em doses homeopáticas - ao sempre necessário e agradável blues. Vale a pena colar os ouvidos.

Pink Floyd

Iron Maiden comandando as bancas: Kerrang, Metal Hammer e 17 (!) capas diferentes na nova Classic Rock Magazine

Ricardo Seelig 15:13

Séries de TV

A história da dublagem, europeus recebendo refugiados e fotógrafos fotografando

Ricardo Seelig 10:42

Fotos mostram europeus recebendo refugiados de braços abertos
O passado político da dublagem (e da legenda)
Um filme do gênero “heavy metal splatter”: que ótimo
Fotos de fotógrafos fotografando

quarta-feira, 9 de setembro de 2015

Opinião

Opinião: Lemmy e a hora de parar

Ricardo Seelig 19:05

Há uma crença que diz que é muito difícil para o artista saber a hora exata de parar. Alguns param muito cedo. Outros, deixam passar o momento e mergulham em uma espiral de decadência que macula, sem dó e nem piedade, uma imagem que levou anos para ser construída. Poucos, muito poucos, tem a sabedoria para saber a hora exata de pendurar as chuteiras.

Ao que tudo indica, não parece ser o caso de Lemmy Kilmister, vocalista, baixista, cara, corpo e coração do Motörhead. O lendário músico inglês passa por sérios problemas de saúde já há algum tempo, e se nega a alterar a sua rotina em prol de uma vida mais longa. O que isso gera? Cancelamento de shows, apresentações públicas onde fica evidente o lamentável estado em que Lemmy se encontra, causando, invariavelmente, a comoção coletiva dos fãs.

Deixando todos os romantismos de lado e empurrando para baixo do tapete a figura hipotética do ídolo invencível, é deprimente ver o papel ao qual Lemmy se deixa passar. Ok, alguém irá dizer que cada um faz as suas escolhas, que “é legal” morrer no palco e outros pensamentos egoístas que só fazem sentido para quem não é o protagonista da descida ladeira abaixo. Para essas pessoas, respondo que, ao meu modo de ver, a escolha do artista em “morrer pela arte” ou através dela me parece estúpida e, pra combinar com a sentença anterior, igualmente egoísta.

Envelhecer aos olhos do público - e junto com ele - é um processo necessário e inevitável em qualquer arte, que o digam atores, escritores e outros talentos dos mais diversos segmentos. Na música, é fácil perceber como nomes do gabarito de Bruce Springsteen, Paul McCartney, os Rolling Stones, Neil Young, David Gilmour e outros souberam colocar a passagem do tempo embaixo do braço e se adaptaram à ela. Assim como também são facilmente estampados aos olhos do público, de maneira nada agradável porém explícita, exemplos de artistas que não souberam conviver com as limitações - e, consequentemente, com a sabedoria - que os anos trazem. E tome Sebastian Bach passando vergonha por não admitir que não tem mais 20 anos, Dinho Ouro Preto agindo como um adolescente mimado e pseudo-revoltado cujo vocabulário se resume à palavra “caralho”, entre outros.

Lemmy vai por um caminho um pouco diferente, e ainda mais doloroso para quem admira o seu trabalho. Respeitando a proporção, é um caso não tão distante do que vimos, há algum tempo, com a falecida Amy Winehouse. Enquanto a ótima cantora inglesa definhou em praça pública em um furacão turbinado por doses industriais de álcool e drogas, Lemmy paga o preço de décadas de uma dieta resumida, praticamente, a whisky, Cola-Cola e maços de Marlboro. Não sei se o motivo para tal exposição - ao meu ver totalmente desnecessária - venha da instabilidade econômica vivida por Lemmy, como alguns veículos chegaram a levantar. O fato é que o músico, que do alto dos seus 69 anos possui o status de lenda e ícone do rock e do heavy metal, demonstra uma fragilidade gritante e cada vez maior dia após dia. E, seguindo nesse ritmo, Mr. Kilmister inevitavelmente conseguirá alcançar aquele que parece ser o seu objetivo final: cair duro e morto em pleno palco, a palmos de distância do seu público.

Que o Motörhead siga gravando seus discos. É bom e necessário ouvir Lemmy soltando a voz e espancando o seu baixo. É uma sensação vibrante e saudável. Mas também é bem mais inteligente manter-se vivo, curtindo os merecidos méritos dos inúmeros bons serviços prestados à música.

A escolha é sua, Lemmy. Só desejo que você tenha sabedoria e lucidez para tomá-la.

Rush

Três discos para ouvir hoje: Rush, Pink Floyd e Mike Oldfield

Ricardo Seelig 12:12

terça-feira, 8 de setembro de 2015

Um Disco por Dia

Um disco por dia: Mahavishnu Orchestra - The Inner Mounting Flame (1971)

Ricardo Seelig 18:41

The Inner Mounting Flame é o primeiro disco da Mahavishnu Orchestra, grupo liderado pelo espetacular guitarrista inglês John McLaughlin. Ao lado de McLaughlin estavam músicos experientes e respeitadíssimos. O baterista panamenho Billy Cobham teve passagens pelos grupos de Horace Silver, Kenny Burrel, Miles Davis, George Benson e Quincy Jones, além de inúmeras outras participações. Já o baixista irlandês Rick Laird dividiu o palco com Wes Montgomery, Sonny Stitt e Sonny Rollins, e mais tarde faria parte dos grupos de Stan Getz e Chick Corea.

O tcheco Jan Hammer, pianista e tecladista, colaborou com artistas do porte de Jeff Beck, Al Di Meola, Mick Jagger, Carlos Santana, Stanley Clarke, Elvin Jones e mais uma pá de músicos, além de ter composto, na década de 1980, o tema da série Miami Vice. E o violinista norte-americano Jarry Goodman teve uma passagem pela Orquestra Sinfônica de Chicago, além de ter colaborado com o Dixie Dregs e, mais recentemente, com Jordan Rudess e Derek Sherinian, atual e ex-tecladista do Dream Theater, respectivamente. Isso sem falar do próprio McLaughlin, fundamental na transição de Miles Davis do jazz tradicional para o fusion em álbuns seminais como In a Silent Way (1969), Bitches Brew (1970) e A Tribute to Jack Johnson (1971). Ou seja, um timaço!

Lançado em agosto de 1971, o disco foi automaticamente considerado pela crítica como um clássico. Motivos para isso não faltam. Suas oito faixas mostram uma imensa, inspiradíssima e definitiva simbiose entre rock, música clássica, jazz, blues e até mesmo elementos de música celta. Totalmente instrumental, o álbum tem como seu elemento principal a guitarra de braço duplo de McLaughlin, que é o instrumento central de todas as composições. A partir de seus acordes os arranjos evoluem, caminhando por um mundo próprio onde não há limites entre os gêneros musicais.

Pra lá de técnicos e extremamente virtuosos, todos os cinco músicos, principalmente McLaughlin, Cobham e Hammer, despejam notas rapidíssimas, mas que fazem total sentido nas composições. Há momentos sublimes, principalmente a abertura com "Meeting of the Spirits", as camadas de melodia de "Dawn", a sensacional "The Dance of Maya" e seu contraponto, a calma "You Know You Know".

The Inner Mounting Flame é um dos discos mais incríveis que eu tive o privilégio de ouvir nessas minhas mais de três décadas como consumidor e colecionador de música.

Espiritual, clássico e fundamental!

Todos os dias, um review analisando um título da minha coleção. Pra ouvir com a mente aberta e as portas da percepção escancaradas.

sexta-feira, 4 de setembro de 2015

Reviews

Iron Maiden - The Book of Souls (2015)

Ricardo Seelig 18:17

Cinco anos após The Final Frontier, o Iron Maiden está de volta com o seu décimo-sexto disco. The Book of Souls é o primeiro álbum duplo de estúdio da banda, e também o registro mais longo da carreira dos ingleses. O trabalho traz onze faixas e foi produzido por Kevin Shirley, o responsável pelos últimos lançamentos do grupo.

The Book of Souls é um álbum ousado e totalmente fora da curva do que se esperaria do Iron Maiden, principalmente a essa altura da carreira do sexteto, que está na estrada há quarenta anos - a banda foi formada pelo baixista Steve Harris em 1975. Fora da curva porque traz uma sonoridade renovada e surpreendente, acentuando uma característica que estava cada vez mais evidente nos últimos discos: o mergulho no rock progressivo. Em The Book of Souls o Maiden se joga sem medo no prog, e é justamente esse fator que torna o trabalho tão impressionante.

Por mais estranha que essa afirmação possa parecer, a sensação é que estamos diante do primeiro trabalho “adulto" da banda. As melodias fáceis, as soluções simples, as canções mais diretas, praticamente não existem. Mas não se assuste, pois isso não significa que estamos diante de uma complexidade impenetrável, muito pelo contrário. A banda bebe com classe no progressivo e traz para a ordem do dia canções que se desenvolvem em arranjos repletos de camadas, mudanças de andamento constantes e um onipresente requinte instrumental. E aí entra aquela que provavelmente é a jogada de mestre de The Book of Souls: tudo isso foi gravado ao vivo no estúdio, praticamente sem overdubs. O resultado é uma espontaneidade absolutamente refrescante.

Os mais apressados poderão tomar um susto ao verificar a duração das faixas - as mais curtas ficam nos cinco minutos, enquanto três ultrapassam a barreira dos dez. Mas, quando algo é bom e bem feito, não soa maçante e desnecessário, e isso se verifica de maneira clara em The Book of Souls.

Os recentes projetos pessoais de Steve Harris e Adrian Smith - British Lion e Primal Rock Rebellion, respectivamente - fizeram bem à banda, oxigenando a sonoridade e renovando a musicalidade do grupo. Há uma divisão muito mais democrática na composição das faixas, com todos colaborando - a exceção de sempre é Nicko McBrain. E aqui um detalhe merece menção: The Book of Souls é o primeiro álbum da carreira do Maiden em que Steve não domina esse quesito - no novo disco, Bruce Dickinson é o maestro e está praticamente em pé de igualdade com Harris.

Salta aos ouvidos a inegável qualidade das novas canções. Das onze faixas, praticamente todas se destacam - a única exceção é justamente o primeiro single, a mediana “Speed of Light”. Da abertura classuda com “If Eternity Should Fail” ao brilhantismo de “The Red and the Black”, do ar épico da faixa-título ao clima meio hard de “Tears of the Clown” (música que homenageia o falecido ator Robin Williams e poderia muito bem estar em The Chemical Wedding, melhor álbum solo de Bruce), o que se vê é um desfile de ótimas composições como há muito tempo o Iron Maiden não entregava aos seus fãs.

O clímax está na canção que encerra o trabalho, “Empire of the Clouds”. Com mais de 18 minutos e composta somente por Dickinson, assemelha-se a uma sinfonia que se desenvolve em movimentos intercalados, culminando em uma longa passagem instrumental que tem o trio de guitarras como protagonista. De cair o queixo, literalmente!

Todos os músicos mantém o alto grau de performance característico, mas três se destacam. Bruce canta com enorme feeling, e a notícia de que o vocalista foi diagnosticado com câncer na língua após a gravação só torna ainda mais impressionante o seu trabalho. Steve Harris é o coração do Iron Maiden, e segue fazendo-o pulsar com o talento de sempre. E, por fim, Adrian Smith brilha de maneira absoluta comandando o trio de guitarras, reafirmando o seu papel como um dos maiores instrumentistas da história do heavy metal.

The Book of Souls é um disco impressionante. Um álbum totalmente fora das expectativas daquilo que o Iron Maiden lançaria a esta altura da sua carreira. O disco supera toda e qualquer prognóstico a seu respeito, e deixa a certeza do quão único é o sexteto liderado por Bruce e Steve. Sem dúvida, o melhor álbum do grupo desde o retorno de Dickinson e Smith.

O Iron Maiden vive um novo apogeu, e The Book of Souls é a prova definitiva disso.

Séries de TV

Netflix muda o jogo, o grande disco pop de 2015 e o DJ que é surdo

Ricardo Seelig 10:45

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quarta-feira, 2 de setembro de 2015

Um Disco por Dia

Um disco por dia: Lefties Soul Connection - Hutspot (2006)

Ricardo Seelig 21:15

Parece improvável, e realmente é. Explico: você coloca Hutspot, disco de estreia dos holandeses do Lefties Soul Connection para rolar, e o que sai dos alto-falantes é um delicioso e contagiante funk/soul setentista, influenciado por nomes do porte de The Meters e Booker T. & The MGs.

Improvável por duas razões: primeiro por a banda ser, como eu já disse, natural da Holanda, e executar com competência ímpar um gênero musical nascido das dores, frustrações e sonhos da população negra norte-americana. E segundo porque, ao contrário do que tudo indica, o primeiro disco dos caras não foi lançado na primeira metade da década de 1970 e ficou escondido anos a fio em sebos e no submundo dos colecionadores - pelo contrário, o CD é de 2006!

Vamos lá então: o Lefties Soul Connection foi formado em Amsterdam, capital holandesa, em agosto de 2001 pelo guitarrista Onno Smit e pelo organista Alviz (assim mesmo, sem sobrenome algum). No final daquele ano o batera Cody Vogel juntou-se à dupla, e o line-up foi completado em meados de 2002, quando o baixista Bram Brosman completou o quarteto (esse último deixou o combo em 2008, sendo substituído por Pieter Bakker).

A banda ganhou destaque na mídia dos Países Baixos através da ótima repercussão alcançada pela versão que fizeram de "Organ Donor", do DJ Shadow. O single chamou a atenção da Excelsior, que assinou com os caras, colocando o primeiro play do grupo na praça.

O som, como eu já disse, é um funkão de remexer o esqueleto, repleto de groove e com elementos de soul music, principalmente devido à onipresente e muito bem-vinda influência de Booker T. O disco é totalmente instrumental, com exceção de uma faixa, "It´s Your Thing / Hey Pocky A-Way", que conta com vocais - não por acaso, a "menos boa" do CD. As outras composições levam o ouvinte em um embalo constante, sempre com o órgão Hammond de Alviz à frente.

Momentos empolgantes são garantidos através de pérolas como "Doin´ the Thing", que abre o play com um quebradeira danada; "V2", que nos transporta sem cerimônia para meados dos anos 1960; a já citada versão de "Organ Donor", onde o grupo desconstrói a composição do DJ Shadow, com destaque para a guitarra de Onno Smit; o groove cheio de malícia de "Generator Oil"; e a energia bruta da faixa-título. A bem da verdade, todas as composições apresentam um nível bastante elevado, e essas citadas são apenas as minhas favoritas.

Depois de Hutspot o Lefties Soul Connection lançou mais dois discos - Skimming the Skum em 2007 e One Punch Pete em 2011 -, e desde então está na estrada, fazendo frequentes turnês pela Europa.

Se você gosta de The Meters, Booker T & The MGs, Kashmere Stage Band e toda aquela cena funk/soul norte-americana do final dos anos 1960 e início dos 1970, vai pirar com esse primeiro disco do Lefties Soul Connection. Uma grata surpresa, que irá descer redondo pelos ouvidos, cabeças e pés de todo e qualquer amante da boa música.

Enfim, extremamente recomendável!

Todos os dias, um review de um título da minha coleção. Pra tirar os móveis da sala e ouvir remexendo o esqueleto.